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(“How we learn to accept art that hates woman”, di Sarah Ditum per The Newstatesman, 26 ottobre 2017, trad. Maria G. Di Rienzo.)

Le accuse sono sempre “scioccanti”. Due parole sposate eternamente fra loro in “giornalistese” ogniqualvolta è riportato un resoconto di violenza contro le donne da parte di un uomo famoso, sebbene “shock” sia difficilmente la parola giusta nella maggior parte dei casi. E’ di più una solida conferma dei sospetti a cui non ti sei mai permessa di dar riconoscimento. Perché non te lo aspettavi, in un certo qual modo?

Nel boato post-Hefner, post-Weinstein, di donne che parlano apertamente, io mi trovo a pensare di continuo: “Oh, quel tipo? Be’, ovvio.” Nella maggior parte dei casi c’era già qualcosa. Non abbastanza per essere certa, forse, ma abbastanza per avere i miei dubbi. Forse avevo notato in precedenza che il tal uomo sembrava sicuramente apprezzare immagini di donne picchiate e malmenate, o che mostrava notevole piacere nel rimettere le donne al loro dannato posto, o forse avevo sentito dire che aveva relazioni “difficili” con le donne con cui lavorava. Forse era un vero e proprio pornografo il che, siamo onesti, è un campanello d’allarme che suona a tutto spiano. Ma qualsiasi cosa fosse, io la ignoravo; trovavo un modo per mettere quel qualcosa nel ristretto ambiente del giudizio sospeso.

In questo fine settimana, Janice Turner ha scritto della strana facilità con cui è possibile allo stesso tempo “sapere eppure non sapere” cose orribili: dal caso di Miramax a quello dei rifugi di Rotherham (1), la gente ha fatto in modo di adattare il proprio lavoro e le proprie vite agli abusi di cui non avrebbe mai ammesso l’esistenza. Questo sapere-non-sapendo è tossico a livello istituzionale, ma non accade solo nelle istituzioni e ci vuole un’intera vita di pratica per diventare bravi a farlo. Io ci lavoro su almeno da quando avevo dieci anni – e di sicuro anche da prima. Dieci anni era l’età che avevo quando mio padre tornò a casa con una emozionante scatola grigia chiamata “Back to Mono”, che conteneva una serie di CD su cui stavano un decennio di pregiati prodotti del produttore Phil Spector.

Ciò significa che io avevo dieci anni quando ho sentito per la prima volta “Mi ha picchiata (E sembrava un bacio)”, l’inno disturbante, marziale, prodotto da Spector, delle Crystals (2) sulle gioie dell’essere battute dal proprio ragazzo. “E poi mi ha presa fra le braccia / con tutta la tenerezza possibile / e quando mi ha baciata / mi ha fatta sua” trilla la band di ragazze, adolescenti all’epoca della registrazione, a cui Spector ordina di cantare sul tema con degradante dedizione.

Questa era un’informazione con cui dovevo fare qualcosa, ma cosa? A dieci anni ero grande abbastanza per sapere che gli uomini che picchiano le donne sono davvero cattivi, ma non grande a sufficienza per sapere che uomini che celebrano il pestare le donne creano anche canzoni pop molto ben fatte. Accettare che quella canzone mi disturbava (e lo faceva davvero, abbastanza da indurmi ad ascoltarla di nascosto in cuffia, nello stesso modo furtivo con cui leggevo raccapriccianti storie di crimini sul giornale della domenica, causando incubi a me stessa) avrebbe significato gettare a mare l’intera scatola grigia di voci di ragazze che facevano risuonare i loro magnifici melodrammi, e io non potevo farlo.

Perciò trovai un sistema per isolare le mie paure su “Mi ha picchiata”, di incartarle per bene di modo che non contaminassero tutto il resto contenuto nella scatola. Magari è uno scherzo da persone adulte, ho pensato. Magari negli anni ’60 la gente non sapeva far meglio. Quando di anni ne avevo 21, Spector uccise a colpi di pistola l’attrice Lana Clarkson, il culmine di una storia quindicennale del puntare pistole contro donne che respingevano le sue proposte sessuali.

Dopo di ciò, lessi di Ronnie Spector (3), la cantante delle Ronettes e moglie di Spector: la tenne isolata con il terrore per quattro anni, nascondendole le scarpe di modo che non potesse scappare. Ero scioccata? Non proprio, sebbene mi sentissi come se mi fossi abbindolata da sola. Avevo ragione a temere quella canzone, dopo tutto.

Pure, nei miei vent’anni, ho esercitato le mie abilità di repressione sino a renderle una vernice istintiva. Le scene di stupro nei romanzi che avevo imparato a mandar giù, la meschina misoginia dei film di Polanski che avevo in qualche modo separato dalla meschina misoginia del suo aver probabilmente stuprato una tredicenne, e la strombazzata crudezza dell’estetica pornografica che avevo insegnato a me stessa a tollerare nelle foto di moda di Terry Richardson: rendeva l’immagine veritiera della minaccia sessuale minacciando sessualmente in effetti le modelle. Sapevo tutto quel che andava dicendo delle donne, eppure non sapevo. Perché sapere – sapere veramente – mi avrebbe messa al di fuori di tutto ciò che sembrava aver valore, al di fuori del mondo intero di cui volevo far parte.

Ne “Il dono della paura”, Gavin de Becker scrisse del modo in cui le persone (specialmente le donne) apprendono a seppellire il loro naturale senso di paura, spesso per semplice cortesia. Prese fra un’innominabile senso di minaccia proveniente da un individuo e il possibile disagio sociale causato dall’agire in base a esso, in maggioranza le persone preferiscono l’azzardo del trattare con un individuo che le spaventa piuttosto del rischiare di essere scortesi. Le donne imparano a mettere da parte il loro intero ragionevole disagio che riguarda gli uomini, per poter operare in un mondo in cui gli uomini hanno la maggior parte del potere e fanno la maggior parte dell’arte (comunque sia, giacché conta il credito dato loro di cui veniamo a conoscenza).

Una delle cose che possiamo sperare dopo Weinstein, dopo Hefner, è che le donne siano ascoltate. Un’altra è questa: che noi donne ci si senta in grado di ascoltare noi stesse. Non speculare su noi stesse o tentare di convincere noi stesse a comportarci “ragionevolmente”, ma prestare attenzione alle sensazioni viscerali di sconforto quando le sentiamo provenire da qualcuno o qualcosa. In maggioranza noi, per la maggior parte delle nostre vite, tentiamo di incastrarci in un contesto culturale che, più o meno, ci odia.

Una delle cose che mi piacciono di più delle interviste che Ronnie Spector rilascia ora, è quanto ama spudoratamente il suono della sua propria voce che canta. Ci si sente bene quando le donne buttano lo sguardo maschile giù dal piedistallo e riempiamo le nostre orecchie delle nostre stesse voci.

(1) Riferimento a un vasto giro criminale di traffico di minorenni – bambine prepubescenti e ragazzine – che ha cominciato a venire alla luce nel 2010. A tutt’oggi si parla di 1.400 bambine abusate.

(2) Gruppo vocale degli anni ’60 composto da tre ragazze.

(3) Nome d’arte di Veronica Yvette Bennett, cantante rock nata nel 1943. Dall’imprigionamento a cui Phil Spector la sottopose fuggì in effetti scalza, con l’aiuto della propria madre.

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la band

“Il nostro attivismo prende molte forme. Manifestiamo, danziamo, scriviamo, parliamo, cantiamo e non ci fermeremo sino a che non avremo creato un mondo di cui sentirci parte in sicurezza ed eguaglianza!”: così FRIDA (fondo per giovani femministe) descrive il suo sostegno alle donne in immagine.

Non sono riuscita a reperire i loro nomi, ma collettivamente queste giovani sono “Bnt Al Masarwa”, una band femminista egiziana.

Mentre promuovevano il loro album “Mazghouna” (“La donna imprigionata”) hanno tenuto seminari in tre diversi remoti villaggi del loro paese, in cui le donne hanno potuto narrare le loro storie e condividere le varie forme di oppressione che subiscono relative a religione, classe, etnia, famiglia, tradizione… Il gruppo ha scritto 18 canzoni su tali racconti.

In agosto, “Bnt Al Masarwa” ha lanciato una campagna allo scopo di raccogliere fondi per il prossimo lavoro in cui 10 dei pezzi succitati saranno registrati:

https://www.indiegogo.com/projects/feminists-singing-music-africa#/

Hanno raggiunto poco più di metà della somma che serve loro (12.000 dollari – circa 10.000 euro). Ci sono ancora 6 giorni per aiutarle. Dicono: “Siamo sicure di non poter realizzare una campagna di successo senza l’appoggio delle persone che credono nella nostra esperienza musicale femminista. Pensiamo tu sia una di esse.”

Bnt Al Masarwa

Maria G. Di Rienzo

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trinh t

Trinh T. Minh-ha (in immagine) è nata nel 1952 a Hanoi, in Vietnam. E’ regista, scrittrice, saggista, compositrice e docente. Il suo ultimo libro è del 2016 e si chiama “Lovecidal” (“Amoricida”): è una riflessione sullo stato perenne di guerra globale e spazia dagli interventi militari statunitensi in Iraq e Afghanistan all’occupazione cinese del Tibet, concentrandosi sulle dinamiche variabili della resistenza popolare al militarismo e alla sorveglianza e su capacità e implicazioni dell’uso dei social media per mobilitare la cittadinanza. Trinh sostiene che i conflitti generati dal militarismo sono per la maggior parte fumosi e indistinti, le vittorie mai nette ne’ oggettive e l’unica chiara vittoria del militarismo è la guerra in se stessa.

I concetti che Trinh ha coniato di “altrove” e di “altro inappropriato” continuano a intersecarsi e a comparire in ogni sua opera: sono le interazioni transculturali, la produzione e la percezione delle differenze, le intersezioni fra tecnologia e colonizzazione, la creazione e il disfacimento dell’identità.

Parlando del suo film “Forgetting Vietnam” (90 min., 2015), Trinh spiega: “Tutto comincia con Due, come una delle frasi di apertura del film dice. La baia di Ha Long, per esempio, non è solo il “gioiello dell’industria turistica vietnamita”, è il luogo di incontro di due forze fondatrici: Hạ Long, o “il drago calante”, e Thăng Long – l’antico nome della città di Hanoi – o “il drago crescente”. Piuttosto che far riferimento a opposizioni binarie, Due designa qui l’abilità di contenere entrambi. Montagna e fiume; solido e liquido; immobilità e movimento; maschile e femminile; essere stanziali e viaggiare; partire e tornare; Nord e Sud; bassa e alta tecnologia. Ci sono molti di questi “due”, attivi nel film, che regolano la nostra vita nella realtà concreta.

Le femministe da lungo tempo sfidano il dominante ordine patriarcale e la sua monocultura soggettiva di dominio, produzione e sfruttamento. Le femministe hanno propugnato, invece, un ordine di coesistenza, molteplicità e mutuo rispetto per le ricchezze sia naturali sia culturali. La democrazia sta in questa abilità di contenere entrambi, di spezzare il sistema delle opposizioni binarie, di far entrare l’Altro e mettere in discussione l’Uno imperiale e fallico.”

Maria G. Di Rienzo

i due draghi

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bridget everett performance

Di Bridget Everett, attrice di cabaret e non solo (in immagine qui sopra), vi avevo già parlato:

https://lunanuvola.wordpress.com/2017/04/04/bridget-e-poppy/

Il 1° agosto, partecipando per la prima volta al talk show di Jimmy Fallon, ha parlato della sua carriera e del motto della sua vita: “I sogni non hanno data di scadenza”.

L’intervista a Bridget è qui:

https://www.youtube.com/watch?v=K8Ab-PuF1DY

Ma quel che dovete assolutamente vedere di essa parte dal minuto 5.35 circa. Su richiesta del conduttore – “Ogni bella serata inizia con il karaoke e finisce con il karaoke” – Bridget interpreta un pezzo del brano di Janis Joplin “Piece of My Heart”. La sua voce e la sua attitudine sono semplicemente fantastiche.

Questa è la traduzione del brano:

Tu sei in giro per le strade e sembri stare benone

E piccolo, nel profondo del tuo cuore credo tu sappia che non è giusto

Mai, mai, mai mi senti quando piango la notte

E piccolo, piango tutto il tempo

Ma ogni volta in cui dico a me stessa che non posso sopportare il dolore

quando mi prendi fra le braccia io te lo canterò di nuovo

Dirò avanti, avanti, avanti, prendilo

Prendi un altro pezzo del mio cuore ora, piccolo

Oh, oh, spezzalo

Spezza un altro frammento del mio cuore ora, caro, sì

Oh, oh, prendi un altro pezzetto del mio cuore ora, piccolo

Sai che lo avrai, bambino, se ti fa sentire bene

Nell’originale la voce di Janis ha un tale rabbioso, doloroso orgoglio – Ti mostrerò quanto dura può essere una donna, dice un altro dei versi da indurmi in gioventù a cantare questo brano migliaia di volte e persino per strada, in bici o a piedi (ok, è vero, facevo spesso anche “Summertime”). Ehi, ragazze e donne là fuori, femmine di qualsiasi età, di qualsiasi aspetto, di qualsiasi colore e provenienza ecc. ecc.: i vostri sogni non hanno data di scadenza. E nemmeno una taglia specifica. A proposito, Bridget, dannazione: voglio anch’io quel vestito!

Maria G. Di Rienzo

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Se oggi avete quindici minuti di tempo vi suggerirei di dare un’occhiata al documentario che si trova qui:

https://vimeo.com/221782946

Si chiama “We’re Here, We’re Present: Women in Punk” e segue il recente tour di Alice Bag e del trio garage punk Leggy (Veronique Allaer – chitarra e voce, Kerstin Bladh – basso e voce, Chris Campbell – batteria). E’ diretto da Amanda Siberling e ha i sottotitoli in inglese, per cui anche chi non è troppo sicuro in materia dovrebbe riuscire a capire qualcosa.

alice

Alice – in immagine qui sopra – fondatrice della band Bags nella seconda metà degli anni ’70, nata nel 1958 come Alicia Armendariz, è innanzitutto ancora una musicista punk (alla sua età alle donne si consiglia di sparire dal palcoscenico): ma è anche una scrittrice, un’insegnante elementare bilingue, un’attivista femminista, una sopravvissuta alla violenza domestica, una donna latino-americana. Ha fatto irruzione nella scena punk di Los Angeles, all’epoca composta in maggioranza da maschi bianchi, traducendo ogni propria caratteristica e ogni propria differenza in un manifesto politico.

In questo mese Gabrielle Diekhoff ha realizzato un’intervista con la creatrice del documentario per Bust Magazine, in cui Amanda Siberling dice che pur conoscendo Alice Bag come “leggenda” del punk “Arrivare a conoscerla a un livello più personale è stato straordinario. Quando è sul palco, sono travolta dalla sua bravura, ma quando scende da là è impegnata ad assicurarsi che tutti stiano bene e siano a proprio agio. Penso che in qualche modo si ritragga quando qualcuno la definisce una leggenda, ma c’è definitivamente qualcosa di leggendario in una persona che passa più di trent’anni della sua vita a creare cambiamenti significativi tramite la sua musica, la sua scrittura e il suo attivismo.”

Maria G. Di Rienzo

leggy

(Leggy)

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Quando ricevo richieste di incontri pubblici, il 99% delle volte il tema che mi si chiede di trattare è (ovviamente) la violenza contro le donne: il restante 1% riguarda il concetto di violenza in sé, o storia e pratica della nonviolenza. Dopotutto, sono una trainer alla nonviolenza e anche questo è logico. Ogni volta, che io acconsenta o meno per le più svariate ragioni, mi salta in mente la stessa identica battuta: “Mai nessuno che mi chieda di parlare di Shakespeare!”

will

Sarei in grado di farlo, vi state chiedendo? Direi di sì. Al Bardo io riconosco di dovere molto: la lettura delle sue opere mi ha accompagnata sin da quando ero poco più che decenne – e oggi la mia biblioteca le contiene al completo (molti libri sono di terza mano a dir poco e sono stati acquistati su bancarelle, ma chi se ne frega, le parole ci sono tutte). Lavorando in passato per un paio di riviste sono riuscita a scrivere qualche articolo sul prediletto autore, e in questo blog l’ho nominato/citato abbastanza spesso, ma oggi è una nuova serie tv di produzione statunitense che mi fornisce l’opportunità di farlo: “Will”, la cui prima puntata è stata trasmessa dalla rete TNT il 10 luglio scorso.

A livello di immagine televisiva, William Shakespeare è da quasi quarant’anni – per me – l’attore Tim Curry, ovvero colui che lo impersonò splendidamente nello sceneggiato storico “Vita di Shakespeare” (1978 – l’anno successivo fu trasmesso dalla tv italiana). Perciò, mi sono avvicinata a “Will” in maniera curiosa ma segnata da un certo grado di scetticismo: probabilmente, pensavo, lo avrei giudicato inferiore all’ideale già presente nella mia testa. Sia detto per inciso che le recensioni di matrice britannica da me lette sino a questo momento lo stroncano (c’è un po’ di “veleno” nazionalista che trapela da ciascuna, avviluppato in frasi cesellate tutte traducibili con: Come osano questi americani del menga fare un simile scempio del NOSTRO Shakespeare?), quelle made in Usa sono ambivalenti e caute, “attendiste” nel migliore dei casi.

tim curry as shakespeare

Parte dell’imbarazzo è dovuto al fatto che lo sceneggiato non è una ricostruzione storica e non si preoccupa di essere strettamente fedele ai pochi dati noti sulla vita del drammaturgo, sebbene li usi, è vera e propria “fiction” o meglio: è Shakespeare visto attraverso la prima ondata punk (seconda metà anni settanta, prima metà anni ottanta). Il punk non è stato, e non è, solo musica. Politica, critica sociale, nuove forme in ogni tipo di arte grafica (fumetti, manifesti, volantini, murales), emozioni crudamente autentiche e rivolta contro gli standard “estetici”… quest’ultima espressa sino al punto di cercare di far apparire se stessi rivoltanti agli occhi altrui: poiché sappiamo già di farvi schifo, era uno dei significati, (perché giovani, perché privi di prospettive/aspettative dal vostro punto di vista, perché i nostri sogni vi sembrano patetici, perché siamo situati al fondo della scala gerarchica, perché non ci adattiamo, ecc.) ecco qua, siamo vestiti di stracci e abbiamo i capelli tinti in colori scioccanti e tenuti incollati per aria dal sapone, dozzine di orecchini persino sul naso e portiamo i tampax al collo come pendenti di collane, vi basta? E’ in tutto questo che lo sceneggiato immerge la storia del Bardo.

La scena iniziale vede Will (l’attore Laurie Davidson, nella foto all’inizio di questo articolo) salutare la sua famiglia – che non è proprio concorde e felice riguardo alla sua partenza – e dirigersi a Londra per mettere a frutto le sue capacità di attore e scrittore di teatro; mentre la scena si allarga al paesaggio esplode il giro iniziale di “London Calling” (The Clash): Londra sta chiamando le città più distanti / Ora la guerra è dichiarata e la battaglia sta arrivando / Londra sta chiamando il mondo sotterraneo / Uscite dagli armadietti, voi ragazzi e ragazze.

Similmente, The Jam (uno dei miei gruppi preferiti) segneranno la panoramica su Londra con “In the City” e l’approccio alla zona dei teatri con “That’s Entertainment”: Un’auto della polizia e una sirena urlante / Un martello pneumatico e cemento che va in pezzi / Un neonato che piange e un cane randagio che ulula / Lo stridore dei freni e la luce di un lampione che va a intermittenza / Questo è intrattenimento, questo è intrattenimento

Aver preso tali canzoni piuttosto che altre non è un caso. Sono specchi per la realtà delle cose e quando qualcuno chiede a Will “cosa fa” (cioè qual è il suo mestiere) lui risponde: Tengo uno specchio davanti alla natura.

Naturalmente siamo e restiamo alla fine del 1500: gli edifici, le piazze, gli attrezzi di scena e i costumi – a parte le tinte clamorose e un paio di braghe in pelle un po’ strano per l’epoca – non dicono niente di diverso, ma per esempio i poster che annunciano le rappresentazioni teatrali hanno lo stesso stile di quelli che annunciavano i concerti punk e il pubblico a teatro indossa simboli e colori che ne fanno l’audience “tipo” dei concerti suddetti. A un certo punto, l’attore-impresario Richard Burbage (Mattias Inwood) si lancia persino su di loro dal palco, come un perfetto punk rocker durante il “pogo”.

Vi dirò: non solo le modalità narrative scelte non mi disturbano per niente, le trovo al contrario intriganti e piacevoli. Recitazione e ritmo sono buoni e in alcune scene volano anche un po’ più in alto, come accade nella taverna in cui il novellino William è sfidato a un “duello di ingegni” dall’acclamato e dotto drammaturgo e scrittore Robert Greene: in pratica una sfida poetica in cui i due si insultano reciprocamente in versi. Nella realtà storica Greene si lamentò per iscritto in un pamphlet (postumo, per cui alcuni dubitano della sua autenticità) del “corvo parvenu che si fa bello con le nostre penne” e “crede di essere l’unico scuotiscena del paese” (gioco di parole fra Shakescene e Shakespeare – “scuotilancia”) rendendolo riconoscibile al lettore pur senza nominarlo direttamente. Nello sceneggiato Greene non è identificato in modo chiaro – e il personaggio storico era di sicuro troppo snob per attaccare qualcuno in una bettola dopo aver alzato il gomito – ma la cascata di rime con cui spara su Shakespeare, che proprio per le rime gli risponde azzittendolo, è composta dalla suddetta invettiva e i due attori rendono la scena assolutamente brillante.

Tuttavia non c’è solo luce all’intorno, nel momento in cui William Shakespeare va a vivere a Londra dalla natia e campagnola Stratford. Scelta rara e inaspettata per una serie televisiva di questo tipo, “Will” ha scelto di mostrare in modo verosimile la portata della persecuzione religiosa nell’Inghilterra elisabettiana. Shakespeare era di famiglia cattolica e l’essere cattolici in quel momento era illegale: il prezzo del reato si concretizzava più spesso che no nell’essere sbudellati vivi in piena piazza, sul palco pubblico delle esecuzioni. Per cui, alla fine della prima puntata abbiamo lasciato il nostro personaggio con una serie di problemi e minacce che gli pendono addosso e vanno dall’infatuazione per la figlia di Burbage (Will è sposato, ha tre figli e non si sente bene all’idea) alla possibilità di essere denunciato per la sua fede.

La cosa migliore di lui fino a questo momento è, come già citato, il modo in cui risponde alle domande: Chi sei? – Nessuno, per ora. Impagabile.

Maria G. Di Rienzo

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Visto che il caldo sembra arrivare abbastanza al galoppo e che i media presentano i primi accenni della consueta campagna stagionale diretta alle donne (“corpi da bikini”, “torna in forma per l’estate”, “nuova dieta xy”) non è troppo presto per prendere un controveleno.

bridget everett

Bridget Everett, nell’immagine qui sopra, è nata nel 1972 ed è attrice, comica, scrittrice, performer di cabaret (che lei definisce “alternativo”) e cantante – il tutto di successo.

Due piccoli brani da differenti interviste; nel primo Rebecca Varcoe per Junkee le chiede il 14 febbraio 2017: “Sono sicura che sarai stanca di sentire questo, perché so che è una domanda fatta di continuo alle donne, ma come fai ad avere tutta questa fiducia in te stessa? E’ qualcosa che hai dovuto lottare per conseguire, oppure sei confidente di natura, una performer naturale?”

Risposta dell’artista: “Nella mia vita personale vacillo, sai? Ci sono volte in cui mi sento sicura di me, ci sono volte in cui mi sento da schifo, ma la Bridget sul palcoscenico è la Bridget che ho sempre voluto essere. Quel che non ho mai capito, mentre tentavo di costruirmi una carriera era tipo: solo perché sono una ragazza grossa con seni larghi e grande energia – sono una specie di rullo compressore – come mai questo dovrebbe essere un problema? Più la gente tentava di disarcionarmi, con più determinazione mi spingevo avanti. Per me, quando sono sul palco è il momento più felice e in cui mi sento più a mio agio. Amo moltissimo cantare, è il metodo di comunicazione che funziona per me. Far sentire bene le persone rispetto a loro stesse, cantando per loro, è un’esperienza eccezionale. Mi sento bene perché mi sento potente e forte e bella e ho la voce di un angelo e nulla potrà fermarmi – e non c’è niente di sbagliato nel sentirsi così.”

Il secondo brano viene dall’articolo di Gail Eisenberg per StrausMedia, pubblicato il 2 marzo 2017 e riguarda un grande amore della vita di Bridget, la cagnetta Poppy (in immagine sotto) che era stata abbandonata e che lei ha adottato: “Mi ha conquistata immediatamente. Quando le ho fatto visita al rifugio mi ha accolto sulla porta, sembrava sorridere, mi ha leccata dappertutto e mi si è addormentata in grembo pochi minuti dopo. Poppy ha arricchito la mia vita in modo incommensurabile. L’ha rovesciata sottosopra e mi ha mostrato come accettare e dare amore incondizionatamente.” Maria G. Di Rienzo

poppy

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